viernes, 15 de septiembre de 2017

Krikor Jabotian - El heredero de la Alta Costura de Medio Oriente

En la era de las especializaciones, la selección de contenidos es una labor que exige agudizar criterios. Y si bien en Croix hemos trazado un esquema que nos auxilia en gran parte de la tarea, lo que tenemos bien definido es un comienzo por todo lo alto: la semana de la Alta Costura siempre marca el inicio de nuestros contenidos anuales. A un material tan rocambolesco, lo que sigue no puede irle a la saga, y es por ello que -siempre- el próximo artículo, a modo de continuidad, es dedicado a un diseñador couturier. Pero en éste caso cabe una consideración más; analizando la grilla de la Semana de la Alta Costura Enero 2017, tan poblada de diseñadores de medio oriente, notamos una ausencia que plantea una pregunta difícil de eludir: por qué no participó Krikor Jabotian?


Dueño de un extraordinario talento natural, él mismo define los inicios de su vocación como todo un cliché: en su infancia, era un apasionado por el estilo de vestir de su madre, de su guardarropas y por hacer vestidos para las muñecas de sus hermanas. Con éste background (que fue el de muchos), en el año 2005, a la edad de 18 años, ingresa a la École Superieure des Arts et Techniques de la Mode (ESMOD), en Beirut, para graduarse en junio del 2007, a la edad de 21 años. De su graduación en la Esmod pasa directamente a trabajar en el departamento creativo de Elie Saab, en el que permanece durante siete meses. Allí, desde el aspecto creativo, aprendió cómo utilizar el bordado, es entonces cuando comienza con sus investigaciones acerca de combinación de materiales, colores y formas y a crear sus propios patrones de bordados. Desde lo empresarial, lo ayudó a construir sus propias bases y lo orientó en cómo crear su propia marca. Fueron siete meses intensos, ciertamente, tras los cuales Krikor fue invitado por la Splash Emerging Talent Competition a presentar su primer colección “Une noce funebre” en el Dubai Fashion Week, siendo seleccionado como uno de los tres jóvenes diseñadores de Oriente Medio del año. En agosto del 2008, muestra su colección “Les Fleurs Bleues” en el showcase del Faraya Mzaar, presentándose junto a otros tres jóvenes diseñadores libaneses, en colaboración con la Maison Rabih Kayrouz y el Faraya Mzaar. Luego de ésta exposición, fue seleccionado por la Starch Foundation (1) para exponer sus creaciones por, al menos, dos temporadas, en la boutique que la fundación tiene en Beirut. El impacto causado en éste showroom marcó el comienzo del atelier Krikor Jabotian.


En agosto del 2009, abre su primer atelier en Abdul Wahab Al Inglizi´s street, en Beirut, contaba con 23 años. Allí presentó sus siguientes colecciones para, en agosto del 2011, mudarse para Tabaris y presentar la impactante “Le Fille Du  Temple”. Desde entonces continúa trabajando en su mix & match “detalles de Medio Oriente + sensibilidad europea”. Nada que Saab no nos haya presentado, pero Jabotian trae algunos aires nuevos que lo acercan, a su vez, al trabajo de Murad: sus vestidos son increíblemente estructurados, de siluetas modernas a la vez muy onduladas y fluidas, destacan aquí su trabajo con cinturas fruncidas y el peplum merece un capítulo aparte, ambos aparecen como desbordes extraordinarios, creados a partir de adelantos tecnológicos en el corte del patrón. Al definir su trabajo, él puntualiza la atemporalidad, la herencia, el estilo y la tradición conjuntamente con la innovación. Estamos ante alta costura, sí, pero, al igual que Van Herpen, utiliza la tecnología y el corte 3D da el presente.

Si advertimos, “innovación” es la única palabra en referencia a lo contemporáneo. Y es que en sus creaciones, además de servirse de los adelantos tecnológicos, impera el estilo de medio oriente: un trabajo artesanal con tejidos opulentos como materia prima sumado a  una ornamentación preciosista (bordados esculturales con cristales incrustados que brillan en la capa  externa de los vestidos, bordados florales en hilos dorados, rebordes de perlas, etc.), que dan como resultado figuras espléndidamente esculturales, con formas voluminosas y lujosas con un plus de volumen por sus cortes diferentes y únicos que tienen como base una filosofía de diseño con foco en lo elaborado, femenino y dramático.

Una carrera meteórica y un trabajo denodado lo llevan a posicionarse hoy por hoy como el Príncipe de la Alta Costura de Medio Oriente, heredero de figuras como Elie Saab o Zuhair Murad.

No dudamos, se trató de la gran ausencia de nuestro comienzo dorado.

María de la Cruz Rojo
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Notas
(1)    Starch Foundation es una organización sin fines de lucro fundada por la Maison Rabih Kayrouz y Tala Hajjar, en colaboración con Solidaire, que ayuda a lanzar a los diseñadores libaneses emergentes.


Fuentes



lunes, 30 de enero de 2017

Resumen Semana de la Alta Costura Spring Summer 2017



Tras las huellas de Medio Oriente.
No vamos a negarlo, Oriente,  sus culturas y las formas en que ellas plasman en su vestir, actúan como un imán para nuestra estructura estética. Y no nos sorprendió, porque tenemos la mira puesta en su in crescendo año tras año, la cantidad de diseñadores de Medio Oriente que han participado en ésta ocasión en la semana de la Alta Costura, muy en contraste con otras situaciones coyunturales a nivel global. Una de las causas es que su producción deslumbra, he aquí un pequeño relato de los por qué.

Nuestro recorrido comienza el pasado domingo 22 de Enero, con la presentación que realizó la Maison del diseñador libanés Rabih Kayrouz, la cual contó con un par de características distintivas: era la primer presentación de Kayrouz en una edición Haute Couture, lo hizo, porsupuesto, en calidad de miembro invitado; fue la presentación que dio inicio a ésta edición Haute Couture; no presentó una colección de alta costura, sino una de las llamadas colecciones “Couture”, y no se correspondió con una presentación de spring summer, sino que nos ofreció su propuesta fall - winter 2017/2018. Que Kayrouz tiene una tremenda habilidad para la confección de prendas que pueden calificar de alta costura emparentadas a una sastrería perfecta, no es novedoso. A esto hay que añadir su facilidad para el drapeado y el logro de prendas increíblemente fáciles de usar, atemporales y que posibilitan gran libertad al cuerpo. Pero va más allá de eso. Solemos mencionar que la participación de los diseñadores de medio oriente aporta un plus a éste lado del mundo, porque siempre apuntan a una fusión ente culturas, fusión en la que el barroquismo oriental con sus bordados opulentos y sobrecargados siempre da el presente. Ahora bien, Kayrouz nos electriza porque ése no es su caso. Si queremos hablar de un diseñador que aúna ambas culturas con precisión, ése es Rabih Kayrouz: combina oriente y occidente en un mix de prendas envolventes y cómodas con piezas más racionales y a medida del cuerpo. Y su colección Fall Winter 2017 / 2018 no fue la excepción. La misma combinó típicas prendas parisinas como el trench o las pea jackets con vestidos largos o túnicas. No por ello dejamos de asistir a un universo suave y femenino, libre de accesorios, con colores plenos, porque exceptuando aquellas piezas en que aparecen franjas blancas y negras o en oro y blanco, se trató de prendas monocromas, estudiadas para vestir la belleza de la mujer: abrigos amplios, largos y cortos, vestidos largos, pantalones cortos, en una propuesta en la que el refinamiento oriental está sugerido y no evidenciado.

El lunes 23 fue la presentación de otro libanés: George Hobeika, cuya marca es una de las naves insignias de las alfombras rojas. Se trató, al igual que en el caso de Kayrouz, de su primer participación en el calendario Haute Couture y presentó una colección que quita el aliento en cuanto a vestidos, conjuntos de dos piezas y bordados llamada “Divina Asia”, inspirada en los creadores de mitos que colorean la antigua civilización asiática. “Colorear” es un verbo que le queda muy bien a la descripción. Se trató de una colección en la que las flores– ya sea en aplicaciones florales en 3d o bordadas- y los vestidos –principalmente los vaporosos- son absolutos protagonistas. Hay bastante presencia de tonos pasteles, lo cual le da al trabajo de bordado un acabado más delicado, pero también se dio lugar a colores más intensos, sin perder la delicadeza. Un capítulo aparte merecen los accesorios: carteras, aros y uñas, con bordados de piedras y cristales.

El miércoles fue el turno de dos favoritos: Elie Saab y Zuhair Murad, ambos libaneses.

La primera de ambas presentaciones estuvo a cargo de Elie Saab. Su colección couture, llamada “El nacimiento de la luz”, estuvo inspirada en el cine árabe-egipcio de comienzos de 1900, su época dorada. A la vez, la combinó con la era dorada de Hollywood, de mujeres fuertes y empoderadas. Se trató, por tanto, de una colección deslumbrante con tejidos translúcidos majestuosamente bordados con cuentas de oro o embellecidos con cristales en formaciones geométricas, o lentejuelas dibujando palmeras, barcos y cursos de agua que representan al río Nilo. En ésta ocasión hubo pocos escotes, se respetaron los hombros y se entalló el torso, mientras que las faldas –infladas en las caderas- marcaban un bajo voluminoso. La paleta es maravillosamente elegante: terrosos, blancos y una paleta de azules (desde los celestes hasta los índigos) impactante. Los accesorios también son protagonistas: exagerados collares y pendientes, turbantes, diademas, anteojos de sol, todos actúan de manera decisiva en el acabado de los outfits. Pareciera que Saab no se equivoca: ya sea en las figuras, el color o la innegable elegancia. Año tras año nos ofrece colecciones que quitan el aliento. Su última presentación en la semana de la alta costura es una más de ellas.



Más tarde fue el turno de otro grande: Zuhair Murad, con una colección está inspirada en el famoso festival de fuegos artificiales de la isla de Miyamina, Japón. La conjunción del escenario natural más el del festival proporcionaron al diseñador infinitas posibilidades de embellecimiento que capturó colores y efectos por igual. De ésta forma, Murad transformó la pasarela en una playa desde la que contemplar los fuegos artificiales bordados sobre el negro o azul profundo en vestidos de seda, cuyos colores referencian a la noche, lo mismo sucedió con la novia, en un tono beige con fuegos artificiales bordados en todo el vestido . Sobre telas orgánicas y vaporosas que imitaban el vaivén de las olas, los cristales Swaroski dibujaban los rastros que dejan los fuegos. Parte de las siluetas están tomadas de las prendas típicas de la dinastía de la isla, lo cual quedaba evidenciado en las faldas amplias en satén duchesse, con arco de gran tamaño y acentos en los volantes (que también estaban destinados a evocar las olas) y otras pasadas mostraron una silueta 80´, de hombros marcados y pronunciados escores en V. Advertimos en ambos casos, las formas exageradas de las faldas. La paleta combinó tonos naturales e intensos, destacando principalmente los rojos y – dentro de los rosas- el magenta. No podemos predecir si es el empleo de ambas siluetas tan disímiles o los fuegos artificiales bordados propiamente dicho, pero algo en la combinación de Murad nos dice que veremos algunas de éstas piezas por las alfombras rojas de éste año.

No fue acá dónde se agotaron las presentaciones de diseñadores de Medio Oriente en ésta edición, de la cual también participaron el diseñador libanés-americano Rami Kadi, el libanés George Chakra, Ashi Studio (del diseñador saudí Mahammed Ashi), y el sirio Rami Al Ali mostrando una toma de la Bastilla de glamour y sofisticación.

María de la Cruz Rojo
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miércoles, 25 de enero de 2017

Semana de la Haute Couture Enero 2017



Hace un año atrás, la primer participación de Guo Pei en la semana de la Alta Costura captaba no solo nuestra atención, sino también nuestras ansias. Nuestra portada, con uno de sus trabajos -claro ejemplo de su producción opulenta- funciona a la vez como recuerdo y compás de espera para asistir a la segunda participación que la diseñadora tendrá en la Semana de la Alta Costura Primavera Verano 2017 en París,  edición que se lleva a cabo entre el Domingo 22 y el Jueves 26 de Enero. Pero en éste caso, no tenemos la mira únicamente puesta en su propuesta (que ya no es un debut), la cantidad de miembros invitados que muestra el schedule de la Cámara Sindical nos indica que probablemente habrá mucho de que hablar durante toda la semana:




Comienza otro año de moda,

María de la Cruz Rojo
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miércoles, 10 de agosto de 2016

Ortiga - Uno de los Textiles del futuro

En la búsqueda de dar con soluciones a una industria en crisis –la del algodón-, la modernidad hecha mano, con buen tino, de recursos antiguamente utilizados. Repasemos un poco el estado de situación en el que nos encontramos; si bien el algodón es la fibra vegetal – natural más usada en la industria de la moda, trae, al día de hoy, aparejados algunos problemas en relación a su empleo: su cultivo depende de un uso intensivo de agua (1), además, utiliza una cantidad desproporcionada de pesticidas. La industria algodonera representa el 3% del área cultivada en el mundo y consume el 25% de todos los insecticidas, el 11% de todos los pesticidas y el 90% de su oferta mundial es genéticamente modificada. Se trata, pues, de un cultivo con consecuencias para el suelo, la calidad del agua, la biodiversidad y la salud humana. A su vez, el cultivo de algodón orgánico es rentable y sustentable, pero aún tiene rendimientos más bajos. Y, si bien el algodón genéticamente modificado (GM) debería reducir la necesidad de pesticidas (2) por ser más resistente a las plagas-, los cultivos en India y otros países muestran que no es así. A éste conjunto general, debemos sumar que la demanda, ya sea de algodón GM u orgánico, excede los índices de producción.



Ante éste panorama, distintos sectores y actores han salido a buscar soluciones alternativas a la producción y empleo de textiles que auxilien a la industria. Entre ellos, hemos visto los desarrollados con botellas PET recicladas hasta los realizados con fibras de banana, coco y ananá. En ambos casos se trata de desarrollos novedosos. Pero en el caso del artículo de hoy, hablamos de una planta con una larga historia como fuente de fibra textil vegetal: la ortiga o urtica dioica L. La elección no es arbitraria. Es una planta perenne, de fácil reproducción, que crece en todas partes, muy resistente, que se defiende con fuerza propia de plagas y pestes, propiciando su total aprovechamiento en la cosecha, con la consiguiente reducción de los costos de cultivo. Es ciertamente una planta polifuncional: medicinal, comestible, insecticida natural y abono ecológico. Pero además de los empleos que puede tener en el ámbito casero, también se utiliza en diferentes procesos industriales para fabricar hilo, tintes y hasta pasta de papel, puesto que su fibra contiene un 85% de celulosa. La fibra que se obtiene de la ortiga tiene propiedades similares a la fibra de lino o de cáñamo y puede utilizarse como alternativa al algodón. Aún más: el proceso para extraer su fibra no requiere productos químicos, enzimas u otras sustancias auxiliares. De la ortiga se produce fibras de alta calidad, fuertes, versátiles con un buen largo para el hilado, con el que se produce un tejido seguro para vestir (para la salud humana). La fibra de ortiga tiene una característica especial, puesto que son huecas, lo que significa que pueden acumular aire dentro de sí creando un aislamiento término natural. El tejido es hecho a partir de las fibras que se encuentran dentro de los tallos (no de filetes exteriores) mediante un proceso en el cual se cortan los tallos (3) y se dejan secar al aire libre; cuando las hojas empiezan a volverse amarillentas, caen. Entonces se dejan los tallos en remojo, produciendo un proceso de maceración, en el cual las bacterias destruyen las pectinas de los tallos liberando las fibras. Después se dejan secar las fibras obtenidas, seguidamente se golpean, se pasan por una clase de mesas con púas para peinarlas y finalmente se procede a la confección del hilo. De éste proceso se obtiene un 17% de fibra de la masa total de la ortiga y el hilo que se consigue es resistente a la tensión y tiene una media de entre cuatro metros de longitud y produce un tejido suave y ligero.


Hemos mencionamos su largo uso a través de la historia, aquí su repaso somero: restos arqueológicos en Dinamarca y Gran Bretaña muestran que se utilizó para la cuerda y el paño en el neolítico. Mucho más tarde, en los tiempos post-medievales, las redes de arrastre para la pesca fueron hechas con fibras de ortiga. Ropa con tela de ortiga fue fabricada en Escandinavia y Escocia desde los primeros tiempos hasta el S. XIX y fue conocida como tela escocesa en Gran Bretaña. También fue utilizada en la primer postguerra por los alemanes para hacer uniformes para las tropas. En Mosul, Irak, India e Irán se fabrica una tela similar a la muselina con ortiga, poco tupida y suave. También es muy utilizada como fibra textil en los Himalayas, China y Birmania, siendo muy apreciada por su suavidad, resistencia y su semejanza con la seda vegetal. En la actualidad, en el mundo occidental, G- Star y Etro son algunas de las marcas que trabajan la fibra textil de ortiga en sus colecciones, fibra que se estima irá a desempeñar un papel cada vez más importante en relación a otras fibras naturales dentro de los próximos cinco a siete años.

En definitiva, combinamos las buenas noticias con la frase popular: “nada nuevo bajo el sol”. La naturaleza nos sigue proveyendo. Y nos urge cuidarla.

María de la Cruz Rojo
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Notas

(1)    De acuerdo con nuestras fuentes, se emplean 2.900 (dos mil novecientos) litros para la fabricación de una camiseta de algodón y 11.800 (once mil ochocientos) litros para la fabricación de un pantalón de jeans.

(2)    Indicamos para éste punto, asistir al documental The True Cost, que ya ha sido objeto de un artículo.

(3)    De acuerdo a nuestra referencia, entre agosto y / o septiembre.


Fuentes:

http://www.redtextilargentina.com.ar/index.php/fibras/f-diseno

jueves, 4 de agosto de 2016

Correspondencia del Pantone SS 2016 con las estaciones Otoño e Invierno

Cuando el estudio de la colorimetría comienza a resultar intrincado, recurrir a la estructuración puede ser clave para ordenar el tema. Tenemos una primer gran división: la que diferencia entre  pieles cálidas de pieles frías. A ella le sigue una segunda gran división: la que se desprende de las diferencias principales de cada uno de los tipos de la primera y que –a su vez- divide a ambos en otros dos tipos, mayormente conocida como “teoría estacional”(1). Ahora bien, cómo conecta cada una de las “estaciones” de dicha teoría con las otras tres del espectro, se corresponde con la tercer división que podemos establecer, y que solemos denominar “subestaciones”. El análisis de éste artículo se corresponde con la comparación entre dos estaciones (segunda gran división) con la paleta de colores propuesta por el Pantone Color Chart SS2016, que hemos repasado recientemente. Y, para reforzar los paralelismos, hemos elegido las dos estaciones que se corresponden con la temporada en la que nos encontramos: Otoño e Invierno.



Como sabemos, la primera se corresponde con un tipo de piel cálida, con poco contraste. Se trata de una tipología homogénea con una combinación de elementos intensos y engamados, por lo que requiere de colores hiper fuertes y cálidos para despegar del conjunto de características físicas. Los colores aquí auxilian a salir de la homogeneidad. En tanto la estación invierno es un tipo de piel fría, de mucha intensidad en el contraste de sus características, por lo cual, la mujer de ésta estación requiere colores saturados e intensos (la paleta general de invierno está exenta de pálidos y cálidos, realmente son pocos) y necesitan tonos que aguanten su intensidad.

Ambos casos necesitan colores intensos, vibrantes, pero, en el caso de otoño, de base cálida, en el caso de invierno, de base fría. Partiendo de ello, debemos descartar los colores del 2016 para ambas estaciones. Ni Quartz Rose, ni Serenity Blue son adecuados para acompañar los requerimientos de éstas tipologías. Con respecto a sus acompañantes, Peach Echo es desaconsejable para el tipo invierno, sin embargo, puede encajar dentro del “durazno claro” perteneciente a la paleta de otoño. El enérgico Snorkel Blue, por su parte, aplica bien a los requerimientos de la paleta de invierno, por el contrario, no es indicado para acompañar a una estación “otoño”. Buttercup es, sin lugar a dudas, un amarillo vibrante y cálido, que pareciera pensado – y realizado- muy especialmente para las personas de estación “otoño”, ilumina su rostro aportando tono y vitalidad. Por su base cálida y amarilla, es justamente desaconsejado para la estación invierno, que requiere de los “hielos” como base de sus acompañantes. Analicemos el apastelado Limpet Shell, un turquesa verdoso claro, limpio, definido al que le falta intensidad para acompañar a las tipologías invierno. Nos atrevemos, sin embargo, a indicar el “ensayo y error” para la tipología otoño ya que la misma tiene una amplia gama de turquesas (y turquesas verdosos). Nos parece que a éste tono le falta algo de brillo e intensidad para la paleta de otoño, pero, dado que nos ocupamos únicamente del análisis de la paleta general, sin considerar las subestaciones, Limpet Shell tiene aquí el beneficio de la duda.

La paleta del Pantone SS 2016 tiene dos neutros (elegantes y sofisticados): Lilac Grey, un gris clásico al que han añadido un punto de lila que no aplica para sumar a la paleta de otoño y, aún considerando su aproximación al gris perla de la paleta invierno, lo visto en pasarela lo muestra más apto para apuntarse a la paleta de verano, por lo cual sugerimos lo mismo que en el caso de Limpet Shell para otoño: ensayo y error. El otro neutro del Pantone de temporada es Iced Cofee, un terroso natural suave, que crea una base estable y que combina – a pesar de su suavidad- con la estación otoño (se asemeja a un camel bajo); es, por lo mismo, desaconsejado para llevar por las tipologías invierno.

Cerramos nuestro análisis con dos colores vibrantes y enérgicos, ambos indicadísimos para las tipologías otoño por su base amarilla: Fiesta y Green Flash. Es justamente ésta base la que imposibilita su uso por la estación invierno.

Lo expuesto demuestra que las tipologías otoño tienen más beneficios que extraer de la paleta de temporada de Pantone, una paleta que, a pesar de apuntar a la calma y la relajación, al equilibrio y la estabilidad, no ha prescindido de la intensidad de las bases amarillas para dar contraste a la búsqueda de la panacea, propiciando con ello tonos adecuados para la paleta cálida e intensa de las estaciones otoño.

María de la Cruz Rojo
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Notas

(1)    Por utilizar – arbitrariamente- el nombre de las estaciones del año para denominar cada una de las tipologías que la componen.

miércoles, 27 de julio de 2016

Pantone Color Chart 2016 – La paleta completa Spring Summer 2016 que acompaña a Quartz Rose y Serenity Blue

Finales de Julio es nuestro indicador de cierre de temporada, al tiempo de marcar que ya debemos tener la cabeza puesta en lo que viene: primavera / verano. Con  miras a organizar nuestro armario, sobre todo para las ultra trendy, uno de los tópicos que no pueden ausentarse en nuestro orden mental es la paleta de colores. La más actual, sin dudas, es la que, año a año, propone Pantone, luego de su sondeo entre diseñadores, coolhaunters y el equipo técnico de la empresa. Los colores insignia del 2016 son el Quartz Rose y el Serenity Blue, dos empolvados acerca de los cuales ya hemos escrito. 

Éste dúo, en lo que respecta a la temporada que viene, está acompañado por ocho colores naturales y luminosos, inspirados en la naturaleza, así como en las paletas de algunos pintores clave del siglo XX, como Pablo Picasso o Matisse, que arman un mix & match armónico, relajante y optimista.

Sumándose a la propuesta de calma y tranquilidad del binomio Rosa Quartz / Serenity Blue, encontramos una versión templada y empolvada de los naranjas vibrantes: Peach Echo, un melocotón cálido y aireado, de cualidades amigables desde la colorimetría, que acompaña estupendamente al binomio del año. 

Un enérgico azul marítimo (de la familia de los navy), elegante y alegre se suma al spring summer 2016: Snorkel Blue. Para las amantes del azul – y de engamarlo- como quien escribe, recomendamos combinarlo con Serenity Blue. Acerca de las propiedades del color, recomendamos la lectura de nuestro artículo “Simbología y Psicología del Azul”. 

Otro vibrante, pero cálido, es Buttercup, un amarillo luminoso que aporta contraste y que, al igual que el melocotón, combina perfectamente con el dúo del año. Volvamos a los apastelados: Limpet Shell es un turquesa verdoso claro, limpio y definido. Sugiere claridad y frescura, es un tono moderno cuyo uso indica la búsqueda deliberada de una tranquilidad consciente. Articula excelentemente con el neutro de ésta paleta: Lilac Grey. Un sutil tono lila añade sofisticación al clásico gris, logrando un color que también combina magníficamente con el Rosa Cuarzo y otro cálido vibrante: el Fiesta, un rojo enérgico (de base amarilla), es otro de los tonos usados para dar contraste a la naturaleza suave que predomina en la paleta. 

Un color de transición es el Iced Coffee, el otro neutro de la paleta, a su aspecto terroso y natural le combina suavidad y sutiliza de los hielos, creando una base estable cuando se lo combina con el resto de la gama de colores de la temporada. Pantone elige cerrar el círculo con un verde vibrante, representativo de la naturaleza, implicando un llamamiento enérgico, a una reflexión acerca de cómo nos vinculamos con ella: Green Flash. Lo cierto es que su tono de verde logra combinaciones inusuales y novedosas, muy aptas para quienes se suman a los estilos POP, Arty y Creativo. Para quienes se animen: hace furor con el fiesta y el buttercup.


Como podemos apreciar, nada queda librado al azar. La paleta se articula entre sí, logrando combinaciones más relajantes, apasteladas  y / u otras más contrastantes. 

Por lo tanto, y a partir de aquí, la gran pregunta es, ¿para que tipos de colorimetría es más adecuada la paleta Spring Summer 2016?













María de la Cruz Rojo
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Fuentes

martes, 19 de julio de 2016

AguaCalma Biocosmética

El buen uso de las redes sociales, su utilización coherente y un permanente norte hacia los temas de nuestro interés y activismo fue lo que nos llevó a encontrarnos con AguaCalma Biocosmética, marca local de cosmética natural desarrollada por Romina Belluzzo –lic. en biología-, que elabora productos de higiene y cuidado personal ecológicos, hechos de modo autogestivo y a partir de materias primas naturales de origen vegetal, utilizando las propiedades bioactivas de la naturaleza para la formulación de productos saludables tanto para las personas como para el medio ambiente.



Su derrotero hasta la actualidad de la marca fue largo. Partió de la idea de generar un emprendimiento independiente, que desarrolle productos básicos y de uso diario, como son los productos cosméticos, y a la vez ecológicos, accesibles y con un impacto ambiental y social favorable. El razonamiento aquí es de una claridad meridiana y el punto en cuestión lo define el término  “cotidiano”: el uso diario de sustancias cosméticas de impacto ambiental de baja intensidad, acaba, en la suma, resultando igual de nocivo en términos ambientales en general y en nuestra salud en particular (1). El aporte de la marca, entonces, busca torcer éste rumbo generando productos que cuidan ambos aspectos y llevan consciencia al consumidor sobre los por qués y la importancia de su consumo.

Una vez definido el punto de partida, toma un taller de jabones ecológicos a partir del cual comienza a elaborar jabones artesanales. Luego, buscó extenderse a otros productos, lo cual implicó la participación en varios talleres de formulaciones cosméticas naturales, aunque no encontró mucha oferta de formación de calidad en el rubro y, si bien Romina Belluzzo cuenta con los dos cursos de posgrado en fitocosmética que se dictan en la Facultad de Farmacia y Bioquímica de la UBA (2), su principal formación y desarrollo se dio de modo autodidacta y fue el ensayo y error y el feedback de sus amigos lo que le permitió llegar a las formulaciones que hoy ofrece, las cuales resultan una hermosa experiencia sensorial, entre lo táctil y olfativo. Tenemos que decirlo, los productos de Agua Calma destacan por su textura y combinaciones de aromas, que dan de lleno en lo más delicado del universo femenino, con el plus de ser sanos y ambientalmente sustentables. Para ello, la composición de sus formulaciones siguen principalmente los lineamientos de materias primas permitidas por ECOCERT (3); respecto a las consideraciones de salud de los consumidores, la marca se basa principalmente en los informes que presenta la organización SAFE COSMETICS, evitando el uso de materias primas nocivas o de dudosa seguridad. Acerca de las consideraciones ambientales, procuran que su materia prima sea de derivados vegetales, evitando el uso del recurso del petróleo y teniendo en cuenta sus informes de biodegradabilidad; evitan también el uso de aceites minerales, utilizando en las formulaciones aceites vegetales puros. En lo que respecta a la política de envases, en aquellos casos que sea factible y seguro  para el consumidor, reutilizan envases de vidrio, en casos que no, usan envases plásticos pero promoviendo el reciclaje. Ambos tipos de envases pueden ser devueltos limpios, para ser sanitizados y reutilizados en las mismas formulaciones, evitando uno de los principales impactos de la industria cosmética: la generación de packaging no retornable y no biodegradable. Estas bases logran productos libre de crueldad animal (son aptos veganos); sin parabenos, sin fragancias sintéticas ni colorantes artificiales (sólo utilizan aceites esenciales puros y colorantes naturales). El resultado pone énfasis y veracidad en el tipo de productos que desarrollan, se trata exactamente de “cuidado personal”, en un sentido estricto y amplio a la vez.

Y como de cuidados personales se trata, los arengamos a que ingresen a la página de AguaCalma Biocosmética para acceder a sus promociones, descubrir los productos (de excelente relación precio / calidad) y compartirlos con los seres queridos, porque las acciones individuales suman y mucho al pasar al trabajo en red, creando comunidad. Como lo hace Romina y su marca.

María de la Cruz Rojo
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Notas

(1) Ya que estos productos entran en contacto con nuestra piel y son absorbidos, en mayor o menor medida, por nuestro organismo. Al respecto, sugerimos la lectura de nuestro artículo sobre Safe Cosmetics. Por otra parte, el aspecto ambiental tiene dos cuestiones predominantes: el producto en sí, arrastrado por agua y que acabo en cursos o depositados en suelos con distintas consecuencias ambientales, y el desecho de los envases NO biodegradables.

(2)    “Fitoingredientes” y “Formulaciones Fitocosméticas”


(3)    Empresa Certificadora para Cosmética natural y orgánica en Europa: http://www.ecocert.com/es